Как отметил генеральный директор Музея музыки Михаил Брызгалов, успешный опыт создания подобных центров в Луганской Народной Республике показал востребованность новых форматов знакомства с музыкой среди детской аудитории.

Центр предлагает пять основных направлений обучения. В Лаборатории «Нейродети» участники освоят создание контента с помощью искусственного интеллекта, научатся генерировать мелодии и изображения. Совместно с радио «Орфей» будет работать Школа подкастов «Пойдем со мной в музей!», где детей обучат профессиональной записи и сведению аудио.

В Мастерской юного журналиста «Редакция «Музпросвет»» расскажут о специфике музыкальной журналистики и научат писать увлекательные тексты. В Школе видеоблогеров «Снимите это немедленно!» участники освоят создание контента для видеоплатформ от разработки концепции до монтажа. Музыкальная лаборатория «На стиле» познакомит с различными жанрами и инструментами.

Особенностью центра станет интерактивная выставка «Музыкальная эволюция: от камней до нейросети», включающая 33 мультимедийных экспоната. Занятия будут проходить в малых группах до 10 человек, что обеспечит индивидуальный подход к каждому ребенку.

По завершении каждого курса участники представят собственный творческий продукт — подкаст, видеоролик или журнал. Занятия будут проводить как специалисты музея, так и приглашенные эксперты из креативных индустрий.

Проект реализуется при поддержке Министерства культуры РФ.

По материалам пресс-службы Музея музыки

Конечно, альбом «Высокий. Высота» доступен и на всех стриминговых сервисах, где у него уже около трех миллионов прослушиваний. Но многим меломанам привычнее и дружелюбнее слушать песни Владимира Семеновича, как в старые добрые времена, на виниловом проигрывателе.

Всего в новом альбоме 12 песен. Голос Владимира Высоцкого для него был отреставрирован в студии с помощью искусственного интеллекта, звучит он в сопровождении заново сыгравшего все песни современного ансамбля «Мелодия». Звук получился чистым, звучание — отменное, при этом оркестр не лезет на первый план (как ныне случается в некоторых альбомах-ремейках других исполнителей), а аранжировки сопоставимы по уровню с теми, что в конце 70-х делал для Высоцкого сам первый художественный руководитель «Мелодии» Георгий Гаранян.

И хорошо, что в итоговый трек-лист вошли и хиты Высоцкого, которые знают, наверное, большинство слушателей: «Песня о Земле», «Охота на волков», «Дом хрустальный», «Песня о переселении душ» (ими и открывается альбом), и менее известные, как, например, «Человек за бортом» и «Мне каждый вечер»… При этом для «Охоты на волков» сделана новая аранжировка.

Этот альбом стал саундтреком к шоу-концерту аватаров «Высоцкий. Высота». И некоторые различия в звучании с записями, сделанными Высоцким с оркестром «Мелодия» Георгия Гараняна в 1970-х, здесь все-таки есть. Вот и сын актера, барда и поэта Никита Владимирович Высоцкий, участвовавший в проекте с первых дней, комментируя релиз, очень точно назвал его «попыткой создать актуальный образ отца для сегодняшнего слушателя». И добавил: «В этом альбоме есть очень молодая энергия».

—  При подготовке альбома мы отнеслись к наследию Владимира Семеновича с тем же трепетом, с каким реставраторы относятся к полотнам великих мастеров. Благодаря альбому поклонники вновь услышат голос Высоцкого в идеальном качестве. Это не просто переиздание классики — речь о возрождении наследия для нового поколения…

—  Александр Мамонов,
генеральный продюсер шоу «Высоцкий.Высота»,
гендиректор компании «Цифровые легенды»

Александр Алексеев
«Российская газета»

Книга вышла в год 100-летия композитора. В ней подробно рассматриваются все оркестровые опусы композитора, внесенные им в список завершенных произведений, а также партитуры, которые не были изданы при его жизни и практически неизвестны современным специалистам и слушателям.

100-летию Бориса Чайковского посвящен и альбом-ретроспектива «Открытия и откровения», выпущенный Фирмой «Мелодия». В альбоме представлены работы различных творческих периодов Бориса Чайковского: от более популярного «Ветра Сибири» до неизвестных даже специалистам и записанных впервые «Шествия» и увертюры к опере «Звезда». Еще один дебют — «Симфония с арфой»: сочинение впервые записали в студии.

Над записью работал один из старейших коллективов России — Московский государственный академический симфонический оркестр вместе с новым руководителем Иваном Никифорчиным.

По материалам Союза композиторов России

Начав с монументальной Второй симфонии Малера, Чижевский продолжает цикл Четвертой симфонией Шостаковича – также одной из наиболее масштабных в творчестве композитора. Одновременно с нею создавалось другое знаковое произведение европейской музыки первой половины ХХ века – Концерт для скрипки с оркестром Альбана Берга, который откроет программу. Сольную партию исполнит Вадим Репин.

Скрипичный концерт с пронзительным названием «Памяти ангела» — самое известное и часто исполняемое сочинение Альбана Берга. Импульсом к его созданию стала трагическая смерть 18-летней Манон Гропиус, изумительно красивой девушки, которую Берг знал с самого детства. В короткий срок он написал завораживающую музыку, с первых нот покоряющую своей нежностью, чувственностью и острым внутренним трагизмом. Концерт доказал, что и музыка, написанная с использованием серийной техники, может быть глубоко эмоциональной и доступной широкой публике; он стал не только наиболее часто исполняемым сочинением Берга, но и одним из наиболее популярных опусов, рожденных Новой Венской школой. В партитуре, ставшей последним законченным сочинением Берга, заключено множество скрытых смыслов, расшифровать которые и помогут слушателям скрипач Вадим Репин и Госоркестр России имени Светланова.

Шостаковича и Берга связывает многое: в 1927 году в Ленинграде молодой Шостакович слышал оперу Берга «Воццек», которая стала одним из источников вдохновения для его первой оперы «Нос». Исследователи находят немало пересечений и между операми «Лулу» Берга и «Леди Макбет Мценского уезда» Шостаковича, работа над которыми шла практически одновременно. У Скрипичного концерта Берга меньше общего с образным миром Шостаковича, чем у «Воццека» и «Лулу»; тем не менее важно отметить, что к прерванной на время работе над Четвертой симфонией Шостакович вернулся в начале осени 1935 года, когда Берг завершил концерт.

Четвертую симфонию можно назвать самым многострадальным из сочинений Шостаковича. Если опера «Леди Макбет Мценского уезда» до появления статьи «Сумбур вместо музыки» и многолетнего запрета триумфально шла не только в нашей стране, но и во всем мире, то написанная вслед за ней симфония не успела прозвучать ни разу: премьера, запланированная на декабрь 1936 года, была отменена. Лишь четверть века спустя, в декабре 1961 года, по инициативе художественного руководителя Московской филармонии Моисея Гринберга первое исполнение симфонии все-таки состоялось; дирижировал Кирилл Кондрашин, годом позже представивший еще одну сенсационную новинку Шостаковича – симфонию «Бабий Яр» на стихи Евтушенко.

С тех пор Четвертая заняла положенное ей место среди репертуарных сочинений Шостаковича, в то же время оставаясь среди них и одним из самых загадочных. С нетипичной конструкцией, в трех частях, из которых первая и третья длятся до получаса и сами по себе – почти симфонии, Четвертая и сегодня вызывает множество вопросов, порождая самые разные интерпретации и толкования.

«Что касается Четвертой симфонии, она всегда привлекала меня множеством образов, – говорит Филипп Чижевский. – Панорама всего, что было в тот момент у Шостаковича на душе… Можно назвать ее антологией XX века. Она стоит в ряду самых значительных творений прошлого столетия наряду с Симфонией Берио».

По материалам пресс-службы Московской филармонии

По сообщению пресс-службы Большого театра, «гала станет мощным начальным «аккордом» грандиозного фестиваля «Майя и Родион», который проведут в Москве и Санкт-Петербурге Большой и Мариинский театры«.

Народный артист СССР Борис Акимов, которому посчастливилось стать партнером Плисецкой и другом ее семьи, перед началом концерта отметил, что встречал много талантливых балерин, но Плисецкая отличалась от всех своей яркой индивидуальностью:

«Я видел ее во всех партиях и во всех ролях. Она была балериной мощного драматического склада, с сильными внутренними эмоциями и страстями. Мы не забудем ее многие роли, особенно те, которые были поставлены уже во второй половине ее профессионального пути. В их числе — «Анна Каренина», «Дама с собачкой», «Чайка». Эти замечательные спектакли как бы продлевали ее творческую жизнь и на сцене театра, и вообще в искусстве танца. И, конечно, здесь большая роль отведена Родиону Константиновичу Щедрину. Замечательно, что он был рядом с ней и всегда поддерживал ее мысли, поиски, а она всегда искала».

Художественный руководитель и генеральный директор Мариинского театра, гендиректор Большого театра Валерий Гергиев в беседе с журналистами отметил, что Плисецкая в сердцах миллионов людей остается жива, а это «участь немногих, даже знаменитых людей». По его словам, ее бессмертный образ «покорял, покоряет и будет покорять миллионы сердец».

Изящество, непринужденность и гениальную простоту Майи Плисецкой всегда можно было заметить и на сцене, и в бытовой жизни. Вот лишь некоторые факты из биографии балерины:

●   Уже в детстве неординарный характер девочки проявлялся во всей красе. Позже она вспоминала:

— Я была ребёнком своевольным, неслухом, как все меня обзывали. Спустила по течению ручейка свои первые сандалики. Вместо корабликов, которые усмотрела на старинной почтовой открытке. Мама долго убивалась. Достать детские туфельки было задачей неразрешимой.

Впервые попав в театр, девочка навсегда и бесповоротно влюбилась в сцену: после спектакля Майя постоянно изображала всех действующих лиц по очереди, особенно «женщину в чёрном платье». Когда терпение семьи лопнуло, отец не выдержал и шлепнул дочь. Утром за завтраком Майя насупленно молчала. Отец забеспокоился:

— Майечка, ты сердишься? Прости меня, я пошутил. Я тебя люблю.

На что четырёхлетняя девочка приняла позу «чёрной женщины» и в абсолютно взрослой театральной манере ответила: «Любовью не шутят».

●   В 1934 году тётя Суламифь привела своевольную девятилетнюю племянницу в Московское хореографическое училище при Большом театре. Но радужные надежды разбились о суровую реальность почти сразу — педагоги смотрели на рыжую девочку с недоумением: мол, ноги неправильной формы, колени искривлены…

— Мне говорили «надо менять профессию, девочка. Ты балериной не будешь. Колено выправить нельзя», — вспоминала Плисецкая. — Теперь те светила пребывают в ином мире, а я…

●   Находясь в военное время в Чимкенте (южный Казахстан), четырнадцатилетняя Майя впервые станцевала «Умирающего лебедя» — тот самый номер, который её прославит потом на весь мир. Тётя Суламифь, передавая племяннице эту хореографию, тогда шутила: «Он прокормит тебя до старости!» Женщина и представить не могла, насколько окажется права.

●   Плисецкая с первых лет в Большом театре шла своим путём, который разительно отличался от классических канонов. Пока другие балерины часами отрабатывали технику у станка, она искала нечто иное:

— Я всегда анализировала роли, а не «пятые позиции».

Майя была убеждена, что балет — это не набор заученных движений, а живое искусство, и главное в нём — музыка:

— Сотни раз говорила я всякому — нужно танцевать музыку, а не под музыку. Музыка сама по себе — балерина сама по себе. Музыка ей не мешает.

Ещё больше коллег шокировало её признание о репетициях:

— Никогда не любила тренироваться и репетировать. Думаю, что в итоге это и продлило мою сценическую карьеру: у меня были неизмученные ноги.

●   Майя Плисецкая всю жизнь была женщиной своенравной и непокорной, но перед своим мужем Родионом Щедриным — удивительное дело — смирялась. В интервью она честно признавалась:

— Я могла подчиниться Вагановой… Вы удивитесь, но ещё — Щедрину. Он не балетный, но делал мне такие замечания — ни один педагог балетный настолько точно не говорил.

●   За свою долгую и плодотворную жизнь Плисецкая выработала для себя чёткую и бескомпромиссную систему ценностей. Она говорила:

— Что вынесла я за прожитую жизнь, какую философию? Самую простую. Простую — как кружка воды, как глоток воздуха. Люди не делятся на классы, расы, государственные системы. Люди делятся на плохих и хороших. На очень хороших и очень плохих. Плохих во все века было больше, много больше. Хорошие всегда исключение, подарок Неба.

За этими простыми словами стояла железная принципиальность женщины, которая с детства не терпела фальши:

— Я с детских лет не в ладах с неправдой. Она меня коробит пуще красной тряпки.

Подводя итог своей жизни, Плисецкая не кичилась достижениями, а сожалела о несделанном:

— Своим делом жила. Балетом жила. Другого ничего в жизни я делать толком и не умела. Мало только сделала. Куда больше могла. Но и на том спасибо. Спасибо природе.

А финальной точкой стала фраза танцовщицы, которая могла бы быть и эпитафией:

— Характер — это и есть судьба.

По материалам ТАСС и Телеканала «78»

Многогранное и неисчерпаемое творчество Алексея Рыбникова привлекает вот уже не одно поколение слушателей и зрителей. Выдающийся российский композитор — автор множества симфоний, опер, рок-опер, мюзиклов, инструментальных концертов и музыки к более чем 150 фильмам, среди которых «Тот самый Мюнхгаузен», «Андерсен. Жизнь без любви», «Поп», «Пассажирка». Он также является автором сценариев, режиссером и продюсером четырех музыкальных фильмов. Рыбников — лауреат всех национальных премий в области киномузыки. Его музыка завораживает своей мелодичностью и пленительными гармониями, что делает ее узнаваемой с момента создания

Долгое время Алексей Рыбников искал, как средствами музыки возможно рассказать историю духовного поиска человека. «Литургией оглашенных» композитор открывает свою «Тетралогию». Все четыре произведения уже исполнялись на разных площадках мира. Но единым циклом прозвучали впервые за 40 лет и только в Москве. Эту грандиозную премьеру, сопоставимую по замыслу и сложности с «Кольцом Нибелунга» Рихарда Вагнера, приурочили к юбилею композитора.

В своей партитуре жизни Алексей Львович стремится к диалогу с Богом, ищет истину и духовное просветление, пытается обрести веру. Это масштабное философско-религиозное произведение не имеет аналогов в мировой музыкальной культуре. Герои Рыбникова отнюдь не мифологические персонажи, а реальные люди, чьи судьбы отразили на себе ход сложной и трагической истории нашей страны. Своими художественными изысканиями Алексей Рыбников действительно добился ошеломляющего воздействия на слушателя.

«Я долго работал над формированием звуковой партитуры. Мне требовались не только звуки музыкальных инструментов или человеческого голоса. Например, чтобы выразить образ кричащего, стонущего земного шара, раздираемого войнами, революциями, насилием, мне приходилось работать на Киностудии имени Горького, где я подбирал записи разных шумов, криков животных, в том числе коров со скотобойни и так далее. В общем, ужасные, душераздирающие звуки, скопировал их, пришёл домой и долго работал над нарезкой и монтажом этих записей. Компьютеров тогда не было, поэтому я все делал вручную. Резал плёнку, заклеивал скотчем. Я стремился соединить все крики в один жуткий вопль».

—  Алексей Рыбников

В первый вечер в пространстве Центра Исполнительских Искусств москвичи и гости столицы стали свидетелями исполнения первых двух частей тетралогии. В иммерсивной постановке «Литургии оглашенных» Алексей Рыбников выступил в нескольких ипостасях: как режиссер, либреттист и сценограф. Синтетический спектакль, в котором органично переплетаются элементы музыкального театра и art cinema, поразил множеством идей и сакральных замыслов. В какой-то степени зритель тоже являлся соучастником духовно-нравственного процесса. Экранизация фильма «Литургия оглашенных» — это зеркало жизни страны в прошлом многострадальном веке. Судьба философа Данилова, человека глубокой веры и внутреннего порядка, оказалась жестокой к герою. Данилов имел провидческий дар, ему представлялась другая новая жизнь за гранью обыденности. И эти видения не исчезали и все время преследовали его, когда он был репрессирован в послевоенный лагерь, мистические сны посещали Данилова и в революционном Петрограде. И как эта борьба тёмных и светлых сил уживалась в одном человеке, который предвидел духовное спасение России, так и осталась загадкой. И даже смерть главного героя не нарушает это драматическое повествование.

После просмотра фильма зрители переместились в камерный зал, где прозвучали «Тишайшие молитвы» — хоровой концерт на фоне сценографии, символизирующей иконостас и рассредоточенных в нем ангелов и святых (солисты хора). Эта небесная музыка окрыляла своим величием и статикой. Звучание живого хора в синтезе с электронной музыкой открыло новые сферы и грани её восприятия. Особый стереофонический эффект хоровой партитуры был достижим благодаря необычному акустическому решению. Хоры, расположенные по трём сторонам вокруг публики, и солисты пели молитвы на разных языках, в том числе на русском, греческом, латыни и иврите, образуя единую гармоническую вертикаль.

«Меня особенно заинтересовала в этом хоровом концерте идея многопространственности. Для каждого пространства необходима самостоятельная музыка. Одна и та же музыка не может звучать из разных точек — четырёх пространств, символизирующих четыре части света».

—  Алексей Рыбников

По окончании концерта Алексею Рыбникову торжественно вручили свидетельство о присвоении его имени Малой планете (583972) Rybnikov, которая была открыта 22 октября 2011 года на Зеленчукской астрономической станции. Планета была названа в честь композитора, чье имя теперь увековечено в космосе. Это решение было утверждено Рабочей группой по номенклатуре малых тел Международного Астрономического Союза минувшей весной.

Спустя пару дней, действо «Тетралогии» развернулось уже на сцене Большого зала Московской консерватории. Там прозвучали III и IV части. За дирижерским пультом Государственного академического симфонического оркестра России имени Светланова стоял приглашенный венгерский маэстро, музыкальный руководитель The Pannon Philharmonic Orchestra (Будапешт) Гергей Кешшеяк. Его Алексей Рыбников считает лучшим интерпретатором своей симфонической музыки.

«Музыка Рыбникова фантастическая. Его мелодии заставляют переживать то, чего никогда не переживал раньше. Эта музыка на все времена».

—  Гергей Кешшеяк

Вместе с Госоркестром на сцену Большого зала вышли Государственная академическая хоровая капелла России имени Юрлова (худ. рук. Геннадий Дмитряк) и мужской хор вокального ансамбля Arielle (худ. рук. Эльмира Дадашева). Среди солистов — сопрано Лилия Гайсина, тенор Уриэль Гранат и басы Павел Андреев, Михаил Круглов и Владимир Миллер, партия органа — Евгения Кривицкая.

Пронзительная Toccata Macabra, 2-я часть из Шестой симфонии «Sinfonia Tenebrosa» («Симфония сумерек») воплощает демоническую пляску смерти, вихрь сокрушительной энергии танца сметает все на своём пути. И здесь Алексей Рыбников является достойным продолжателем традиций его великих предшественников, в первую очередь, Дмитрия Шостаковича. Оркестр под управлением Гергея Кешшеяка играл на пределе эмоций, контрастная динамика и россыпь оттенков, пульсирующий нерв музыки не дали расслабиться ни на секунду!

Завершила «Тетралогию» оратория «Воскрешение мертвых», написанная для масштабного состава симфонического оркестра, солистов, смешанного и мужского хоров. В ней были задействованы около 200 артистов. Вокалисты и инструменталисты находились не только на сцене, но и на балконах и даже в фойе Большого зала — с четырех сторон от зрителей, создавая тем самым антифонное звучание.

Первоначально Алексей Рыбников попытался исследовать в своём произведении судьбу философа, ищущего истину. Однако со временем замысел приобрел более широкие масштабы: композитор запечатлел ад, рай и обретение вечной жизни, движение человеческой души в соответствии с христианской идей.

«Это художественное произведение на духовные темы. «Тетралогия» отражает метания, человеческие поиски, богоискательство… За подобные темы браться очень тяжело, и если не готов отдать этому всю свою жизнь и относишься к этому легкомысленно, то я не советую. Расплата будет очень серьезной».

—  Алексей Рыбников

Виктор Александров
«Музыкальные сезоны»
Фотографии Екатерины Якель

Московской публике в этом году ЗКР представит программу, объединившую два симфонических шедевра XX века: Третью «Литургическую» симфонию Артура Онеггера и Четвертую симфонию Дмитрия Шостаковича.

XV Международный фестиваль Мстислава Ростроповича проходит с 25 октября по 29 ноября 2025 года в Москве. Его программа, открывшаяся в день рождения Галины Вишневской, включает также концерты ГАСО имени Светланова под управлением Димитриса Ботиниса (солист – Александр Рамм), Филармонического оркестра Джоаккино Россини под управлением Луки Марии Тесты, БСО имени Чайковского под управлением Дэвида дель Пино Клинге (солист – Себастьян Монтес).

Международный фестиваль Мстислава Ростроповича, впервые состоявшийся в Москве в 2010 году, был учрежден в память величайшего музыканта, без которого невозможно представить современное искусство. Организаторами Фестиваля стали Правительство Москвы и Фонд культурных и гуманитарных программ М.Л. Ростроповича. Художественный руководитель Фестиваля – заслуженный деятель искусств Российской Федерации Ольга Ростропович. По признанию общественности и средств массовой информации, Фестиваль стремительно получил международную известность, став одним из центральных событий музыкального мира.

По материалам пресс-службы Петербургской филармонии

Русская музыка — это огромный мир, соединяющий европейские традиции, славянский фольклор и восточную экзотику. Двенадцать программ фестиваля представят её в разных ракурсах, подчеркивая связи с литературой, живописью, театром, с историей государства и языческим прошлым Руси.

В программах принимают участие пять ведущих российских оркестров, именитые солисты и молодые звезды XXI века, легендарный хореографический ансамбль «Березка», популярные артисты театра и кино. Симфонический оркестр «Академия русской музыки» под управлением Ивана Никифорчина исполнит золотую русскую классику. На открытии фестиваля 21 ноября в Зале Рахманинова будут представлены сюита из балета «Лебединое озеро», увертюра к опере «Руслан и Людмила» Глинки и Скрипичный концерт Чайковского (солист — Павел Милюков). На закрытии 13 декабря здесь же прозвучат Второй фортепианный концерт Рахманинова (солист — Константин Емельянов), «Волшебное озеро» Лядова и Первая симфония Чайковского.

Украшением фестиваля станут музыкально-литературные программы с участием мастеров художественного слова Юрия Стоянова (22 ноября), Екатерины Гусевой (30 ноября), Даниила Спиваковского (7 декабря): произведения Пушкина, Лескова, Бажова они прочитают в сопровождении Госкапеллы России и Оркестра народных инструментов имени Осипова. В Кинозале (Виртуальном зале) будут показаны постановки опер «Игрок» Прокофьева (29 ноября) и «Пиковая дама» Чайковского (22 ноября).

Веронскую трагедию «Ромео и Джульетта» Шекспира можно будет услышать в нескольких вариантах – так, как ее воплотили Прокофьев и Берлиоз; всемирно известную историю любви 29 ноября в Зале Рахманинова расскажут Российский национальный молодежный симфонический оркестр под управлением Алексея Рубина и музыковед Артем Варгафтик.

Шедевры отечественной музыки предстанут на фестивале и в нестандартных форматах. Фрагменты балетов Чайковского и Прокофьева в переложениях для двух фортепиано исполнят Дмитрий Маслеев, Филипп Копачевский, Алексей Мельников и Арсений Тарасевич-Николаев; гала-концерт русской фортепианной музыки пройдет 7 декабря в Зале Рахманинова. Большой джазовый оркестр Петра Востокова представит 26 ноября в том же зале джазовые обработки сочинений Мусоргского, Глинки, Римского-Корсакова и других классиков, а Сергей Старостин и Антон Котиков 6 декабря в Малом зале Филармонии-2 познакомят публику с песнями и наигрышами различных областей России.

По материалам пресс-службы Московской филармонии

День, когда «Славянский марш» Петра Чайковского взорвал Москву

В 1876 году в Москве состоялся не просто концерт, а настоящий акт солидарности. В зал Дворянского собрания публика шла с особым чувством: в газетах ежедневно писали о жестокой войне на Балканах, и этот благотворительный вечер был в помощь раненым сербским солдатам и русским добровольцам. Главным событием программы должна была стать премьера нового сочинения Петра Чайковского, написанного специально для этого случая.

В афишах его скромно назвали «Марш на народно-славянские темы», но сам композитор в письмах раскрывал суть гораздо точнее и эмоциональнее. Он называл его «Сербско-русский марш», вкладывая в это название весь огонь сочувствия к братскому народу. Вскоре вся Россия узнает это произведение как бессмертный «Славянский марш», чья мощь в тот вечер впервые взорвала зал аплодисментами.

Как за несколько недель рождается музыка помощи

Заказ на музыку поступил срочно: дирекция Русского музыкального общества просила Чайковского создать крупное произведение для благотворительного концерта. Времени было в обрез, но композитор откликнулся без раздумий. Его глубоко тронула возможность помочь — не словами, а мощью оркестра.

Всего за несколько недель родилась партитура, в которой он виртуозно сплел мелодии сербских народных песен и величественную русскую тему — гимн «Боже, Царя храни». Мрачные эпизоды, с грозными медными духовыми и рокотом барабанов, рисовали ужасы войны, а светлые и торжественные — словно рассказывали о помощи, идущей от России. Это был не просто патриотический жест, а настоящий музыкальный репортаж с поля боя, переложенный на язык симфонии.

Как премьера марша Чайковского вылилась в настоящую народную манифестацию

Премьера «Славянского марша» с первых же нот захватила зал. Под управлением Николая Рубинштейна оркестр начал со скорбных сербских мелодий, которые сменялись, словно траурные процессии. Но вот в музыке начала пробиваться русская тема — нарастая с каждым тактом, она переросла в могучее звучание царского гимна.

Концерт мгновенно превратился в настоящую манифестацию. Публика вскакивала с мест, не сдерживая возгласов «браво!», а после финала зал взорвался овациями, требуя повтора. Сам Чайковский писал сестре, что марш вызвал «бурю патриотического восторга» — и это было не преувеличением, а точным описанием царившей в тот вечер атмосферы.

Марш, который шагает дальше

Успех был мгновенным. Уже через несколько месяцев «Славянский марш» звучал по всей России — его исполняли на парадах, в концертных залах и даже перекладывали для домашнего музицирования. Музыка, созданная как отклик на конкретные военные события, неожиданно обрела более глубокий смысл, в ней слышали и гордость, и сострадание, и надежду. Сегодня это произведение входит в золотой фонд русской классики и остается одним из самых узнаваемых сочинений Чайковского.

Шедевр, который Чайковский считал провалом: первый вечер Пятой симфонии

17 ноября 1888 года, уже в Петербурге, Пётр Ильич Чайковский сам встал за дирижерский пульт, чтобы представить свою новую работу — Пятую симфонию. Несмотря на лето, проведенное в усердной работе над навязчивой «темой судьбы», композитор вышел к публике в сомнениях. В зале был аншлаг, но его встречали как знаменитого автора «Евгения Онегина», а не как создателя новой музыки.

После концерта Чайковский был в отчаянии. Ему казалось, что симфония получилась «пёстрой» и неискренней, а критика лишь подтверждала его худшие опасения. В письмах он с болью признавался, что сомневается в своем даре. Казалось, это был полный провал.

Но судьба этой музыки оказалась парадоксальной. Со временем именно Пятая симфония станет мировым хитом, одной из самых исполняемых во всём симфоническом наследии Чайковского. Он сам позже оттает к ней и признается, что был слишком строг в первых оценках. Судьба, с которой он так яростно спорил в нотах, в конечном итоге оказалась на его стороне.

По материалам канала «Великая Музыка | G — M«

В рамках проекта будут подняты актуальные вопросы — от сохранения классической традиции до постановок в неконвенциональных пространствах, от историзма и советской оперы до применения новейших технологий и нейросетей в оперном искусстве.

Центральным событием станет режиссерский мастер-класс Александра Тителя, народного артиста России, художественного руководителя оперы и главного режиссера МАМТ. Зрители смогут наблюдать за его работой с артистами над готовящейся премьерой оперы «Орлеанская дева», дирижер-постановщик — Кристиан Кнапп. Кроме того, концертмейстер Светлана Ефимова проведет практическое занятие с артистами оперной труппы, демонстрируя особенности музыкального воплощения новых постановок.

Финальным аккордом «Живой оперы» станет круглый стол «За пределами столицы», на котором эксперты обсудят успешные оперные постановки в регионах, подводя итоги двухдневной конференции.

По материалам пресс-службы МАМТ

В репертуаре Бориса Пинхасовича — ведущие баритоновые партии: в сезоне 2025/26 запланированы его выступления в Ла Скала (Энрико в «Лючии ди Ламмермур» Доницетти), Гамбургской опере (Граф ди Луна в «Трубадуре» Верди), Берлинской опере (Ренато в опере «Бал-маскарад» Верди) и других театрах. Борис Пинхасович нередко представляет в Европе русское искусство — особенно ценятся его интерпретации музыки Чайковского, партии Елецкого и Евгения Онегина.

В России Борис Пинхасович принимает участие как в театральных постановках, так и в симфонических и камерных концертах. С 2011 года певец – ведущий солист Михайловского театра. Особенно близка артисту сцена Зала Чайковского:

«Это мое пространство, это один из моих любимых залов. Мне здесь всегда очень тепло, комфортно. Здесь потрясающая акустика и удивительный серьезный масштаб в плане объема и вместимости».

В прошлом сезоне Борис Пинхасович с большим успехом исполнил в Зале Чайковского программу русской камерно-вокальной музыки, раскрывшую его лирико-драматический талант. Теперь у слушателей Московской филармонии будет возможность оценить его мастерство в музыке позднего романтизма, одной из самых сложных сфер вокального репертуара.

«Это будет премьера моей новой программы. Мне хотелось исполнить именно такую комбинацию циклов. Многие певцы это поют, потому что программа действительно особенная, в некотором смысле — элитарная. Она требует огромной душевной работы от исполнителя. Цикл Вагнера я уже пел под рояль два года назад на фестивале в Клагенфурте в Австрии. К творчеству Малера я только начинаю подходить: с Александром Сладковским и Госоркестром Татарстана мы исполняли в Зале Чайковского «Песнь о земле» несколько лет назад. Цикл на стихи Рюккерта я буду петь впервые, с Российским национальным молодежным симфоническим оркестром и Алексеем Рубиным — моим другом и коллегой, глубоким, тонким музыкантом», — рассказывает Пинхасович.

Цикл «Пять стихотворений Матильды Везендонк» Рихард Вагнер считал одним из лучших своих творений: «Лишь немногое из моих произведений может выдержать сравнение с ними», – говорил он. Музыка, написанная для возлюбленной композитора, во многом предвосхитила другой его шедевр – оперу «Тристан и Изольда». Пять песен Малера на стихи Рюккерта впервые прозвучали в Музикферайне на одном из вечеров «Объединения музыкантов-творцов», организованного Арнольдом Шёнбергом и Александром фон Цемлинским для продвижения современной музыки в Вене. Камерно-вокальные сочинения Малера вызвали такой ажиотаж, что концерт пришлось повторить на следующий день, а одну из репетиций сделать открытой для публики. Триумфальный успех ознаменовал новую ступень композиторской карьеры Малера.

По материалам пресс-службы Московской филармонии

Оратория была создана в 1746 году. Премьера «Иуды Маккавея» состоялась 1 апреля 1747 года в Королевском театре Ковент-Гарден и прошла с огромным успехом. В тот сезон оратория прозвучала пять раз, и в 1748 году Гендель сыграл ее еще шесть раз. При жизни композитора известность «Иуды Маккавея» могла соперничать лишь с популярностью «Мессии».

В «Иуде Маккавее» сюжет развивается от сцен скорби к освободительной войне и долгожданной победе. Поэтому роль хоров здесь исключительно велика, а герой, в сущности, один – Иуда. Партия его брата Симона гораздо скромнее. Прочие солисты остаются безымянными – это, в частности, Израильтянин и Израильтянка.

Оратория состоит из трех частей, что привычно для Генделя. Версия, которая будет звучать 30 ноября в Зале Зарядье, сокращена, с бережным сохранением сюжетной и музыкальной линий.

«Иуда Маккавей» – музыкальный шедевр, который звучит и в наше время. Ее исполняли в Вене во время войн против Наполеона и символизировала патриотическое сплочение австрийцев. Весной 1939 года «Иуда Маккавей» четырежды исполнялся в Ленинградской филармонии под управлением Евгения Мравинского со вступительным словом Ивана Соллертинского, затем этот же концерт дважды прозвучал в Москве. В послевоенные годы «Иуду Маккавея» нередко исполняли в честь еврейского праздника Ханука.

Оркестр Musica viva во главе с маэстро Александром Рудиным второй раз обращается к исполнению оратории «Иуда Маккавей» (первое исполнение состоялось в 2001 г. в Концертном зале имени Чайковского).

Максимальное приближение к исторически достоверному стилю исполнения в сочетании с современностью – главная задача команды исполнителей: Московского камерного оркестра Musica viva, Хора имени А. В. Свешникова п/р Екатерины Антоненко, Детского хора «Весна» имени А.С. Пономарева п/р Надежды Авериной и солистов: Иуда Маккавей – Сергей Годин (тенор), Симон, его брат – Беньямин Шуран (бас-баритон, Хорватия), Израильтянка – Диляра Идрисова (сопрано), Израильтянин – Яна Дьякова (альт), дирижер – Александр Рудин.

По материалам «Музыкальной жизни»